Hace un par de años comencé a indagar en el tema de la ‘IMPROVISACIÓN’. Este tema se encontraba alejado de mí tanto en comprensión de lo que esta palabra significaba, como – por supuesto – en la práctica.
Observo que esta falta de formación en esta área de la improvisación está extendida en una gran parte del alumnado y músicos profesionales.
Al compartir con mis alumnos este tema en algunas de las clases, me he dado cuenta del gran desconocimiento que tienen de la práctica de la improvisación y – como es lógico – del miedo que tienen a ella, dada la falta de formación y de la existencia de ideas erróneas que, aún hoy, se siguen teniendo acerca de ella, como por ejemplo, que la improvisación es algo que está al alcance de unos pocos que tienen esa cualidad especial y, los que no la tienen, por más que quieran o se esfuercen, no lo lograrán, o pensar que quien improvisa se pone delante del instrumento y toca según vaya saliendo, sin previamente haber pensado nada. Totalmente falso.
Como decía, hace dos años me dispuse a informarme sobre este tema y, ‘buceando’ por Internet, encontré de forma ‘casual’ un folleto en pdf cuyo título era el siguiente: ‘CURSOS DE FORMACIÓN DE PROFESORADO IEM’. Aparentemente, este título no contenía la palabra improvisación, pero al leer toda la información que en él venía, observé que debía ser muy interesante, puesto que utilizaba el análisis y la improvisación como sistema pedagógico, por lo que decidí realizar este curso completo, el cual tenía una duración de dos años.
Al margen de otra información que venía en el documento, quiero compartir lo relativo a las materias y contenidos que en este curso se impartían y que constituían lo verdaderamente importante:
MATERIAS Y CONTENIDOS – NIVEL I y NIVEL II:
Metodología IEMFundamentos, objetivos y aplicaciones de la Improvisación como Sistema Pedagógico.
La partitura como punto de partida. La partitura como objetivo.
Interrelaciones entre análisis, improvisación e interpretación.
Estudio de los objetivos, contenidos, procedimientos y recursos pedagógicos.
Técnica de extracción de ejercicios a partir de un material dado.Realización de unidades didácticas.
Improvisación Armonía tonal, modalidad (dórico y frigio) y pentatonismo.
Acordes, progresiones, dominantes secundarias.
Improvisación melódica, pregunta-respuesta por enlace y transporte con motivos de uno y dos acordes.
Patrones rítmicos básicos de acompañamiento autosuficientes.
Improvisaciones individuales y colectivas.Análisis y Composición Análisis formal, armónico, melódico y de textura.
Análisis auditivo.
Sistema de cifrado.
Los niveles de síntesis.
Composición de piezas imitativas y libres.
Extracción de ejercicios de una partitura.Educación auditivaDesarrollo del oído musical interno y de la conciencia sonora de los siguientes elementos o estructuras musicales.
Acordes y funciones en el sistema tonal, estructuras armónicas básicas y desarrollo de las mismas.
Estructuras melódico- rítmicas: frases, semifrases, motivos y células.
Texturas y tímbrica.
Escalas modales.
Formas simples.
Recursos didácticos
Puesta en práctica de la metodología a través de dos vías distintas:Asistencia a clases con alumnos reales, de distintas edades y especialidades, impartidas por los profesores del curso.Clases en las que los participantes son puestos en el papel de alumnos, de una determinada materia y nivel trabajado.
En las clases se mostrarán diferentes recursos didácticos (percusión corporal, gesto y movimiento, técnicas vocales y de dirección, etc.) que ayuden al profesor a conseguir los objetivos planteados en cada curso.
El resto de información complementaria del curso se puede encontrar en la siguiente dirección: www.aulademusica.iem2.com
Tras haber realizado este curso, me he dado cuenta personalmente de la gran utilidad que tiene el aprendizaje de esta metodología IEM tanto para alumnos como para profesores, puesto que ofrece una preparación amplia y fundamentada, con disponibilidad de recursos útiles para las clases y destinada a profesores de cualquier especialidad.
La posibilidad de desarrollar esta metodología que utiliza la improvisación como base del aprendizaje, hace posible que – además de desarrollar los aspectos interpretativos y puramente técnicos e instrumentales – los alumnos puedan desarrollar la sensibilidad e imaginación, así como la comprensión profunda y práctica de la partitura. De este modo, se podrá improvisar, como consecuencia de la comprensión del lenguaje musical. Al fin y al cabo, improvisar consiste en saber hablar controlando el lenguaje.
Para alcanzar esta improvisación musical se hace necesario comprender la música que se toca o se escucha, lo que se consigue mediante el análisis musical de los diferentes elementos que lo integran – ritmo, melodía, armonía y forma – así como las características propias de estilo y compositor. Este análisis – aunque también -, no es de dimensión teórica, sino práctica, pues cada elemento ha de pasar por la escucha y práctica en el instrumento con el fin de ‘experimentarlo’ y ‘saborearlo’ para reconocerlo posteriormente. Así, la música va adquiriendo vida, lo que significa que el intérprete entiende lo que toca y, como consecuencia inmediata, puede ‘crear’ con ello controlando el lenguaje o – lo que es lo mismo – improvisar.
En base a esto se puede deducir lo siguiente: ‘Improvisas lo que puedes oír, oyes lo que puedes improvisar’.
En mi opinión, uno de los aspectos más destacables de esta metodología consiste en la coherencia existente entre todas las asignaturas del curso; es decir, si en improvisación se trabaja – por poner un ejemplo – estructuras armónicas que contienen el acorde napolitano, en la asignatura de auditiva se continuará trabajando con este acorde escuchando su sonoridad de diversas maneras (tocándolo, escuchando grabaciones y detectando ese acorde), y en la clase de análisis se trabajarán piezas que contengan este acorde como característico.
Así, todo está relacionado y, cuando vayas a tocar una obra de tu instrumento si ves ese acorde, vas a saber cómo suena, cómo se toca, al igual que en qué momentos se suele encontrar dicho acorde.
Para tener una ligera idea fundamental de cuál es el camino o proceso metodológico que se utiliza en el aprendizaje de una partitura siguiendo este sistema pedagógico que utiliza el análisis y la improvisación como base, veamos cuáles son los pasos a seguir y que se encuentran indicados en los libros de piano que utilizan este método:
CANTAR UNA CANCIÓN:Cada unidad didáctica parte de una o varias melodías, populares, clásicas o expresamente inventadas para ella, cuya correcta interpretación será uno de nuestros objetivos. La primera actividad siempre es aprender a cantar una canción con su letra, si la tiene, o a tararear la melodía escogida como guía da cada unidad de trabajo. La interpretación final de esta melodía necesita que, previamente, se afronten las dificultades que encierra y que se deducen de su análisis, realizando una serie de ejercicios con unos contenidos teóricos y prácticos que son también objetivo de cada unidad.
ANALIZAR: Analizaremos las canciones formal, rítmica, melódica y armónicamente.
El análisis nos proporciona los elementos de trabajo de la unidad.Desde el punto de vista formal, las divisiones importantes de la obra, las frases y semifrases.
Desde el punto de vista rítmico, las figuras, compases, motivos rítmicos, articulaciones, etc. Desde el punto de vista armónico, la tonalidad, los acordes, los enlaces, etc.
Desde el punto de vista melódico, los motivos y las células, las notas reales, las notas de adorno, etc.Todos estos elementos están relacionados entre sí.
RITMO: Los elementos rítmicos extraídos de las canciones sirven para efectuar propuestas de ejercicios. Estos ejercicios nos ayudan a practicar las figuras y compases que aportan la canción. Pueden realizarse con percusión corporal y de cualquier otra forma que se crea conveniente.
El proceso a seguir en estos ejercicios será:Aprender el ritmo por imitación.
Identificar su grafía.
Interpretarla.
Crear nuevos motivos rítmicos.Se sugieren ejercicios en la mayoría de las unidades, pero se hace especial trabajo en aquellas donde aparecen figuras rítmicas nuevas.
El objetivo final es el desarrollo de la destreza rítmica y la coordinación independiente de las manos.
MELODÍAS: Se practican los acordes analizados en la canción, sus notas reales y sus notas de adorno y se proponen numerosos y variados ejercicios de cada concepto.
Al análisis de los motivos le suceden propuestas de ejercicios derivados de él.
Las melodías y ejercicios una vez trabajados se han de interpretar de memoria.
El objetivos es desarrollar la comprensión y capacidad de invención melódica.
TÉCNICA E INTERPRETACIÓN: Las piezas a interpretar incorporan indicaciones de fraseo, agógica, dinámica, géneros de toque, digitación y pedalización.
Se proponen ejercicios destinados a la práctica y mejora del sonido, el control de los dedos y la práctica de las diferentes articulaciones.
Paulatinamente se van incorporando propuestas de ejercicios de técnica, de escalas y arpegios, que siempre están relacionados con la tonalidad, el compás y la figuración rítmica de la unidad.
El objetivo es que el alumno adquiera destrezas técnicas y aprenda a basar las decisiones interpretativas en la comprensión del texto y la escucha activa de los resultados sonoros.
PIANO ACOMPAÑANTE Y PIANO SOLISTA: La melodía y los materiales aprendidos nos sirven para confeccionar diversos arreglos de una misma obra tanto para un solo piano como para piano a cuatro manos o piano acompañante. Estas distintas versiones permiten al alumno comprender el significado esencial de los conceptos que se le enseñan, ya que se presentan de muy diferentes maneras.
Con frecuencia se añaden otras melodías relacionadas con los temas tratados en la unidad.
EDUCACIÓN AUDITIVA: Se proponen motivos melódicos y estructuras armónicas. El profesor u otro alumno toca uno de los motivos; los alumnos restantes escuchan y repiten (muy apropiado para las clases en las que participan varios alumnos).
El mismo ejercicio anterior pero improvisando los motivos.
El objetivo es, por una parte, desarrollar la creatividad del que inventa y, por otra, potenciar la capacidad de identificar y reproducir sonidos, y desarrollar la memoria y la concentración de los que escuchan y repiten.
Quiero cerrar este escrito con unas palabras que Emilio Molina – el precursor de todas estas ideas e investigaciones realizadas acerca de la improvisación – escribe al final de un artículo de los muchos que ha realizado, en ‘Eufonía’, nº 036, Enero, Febrero y Marzo de 2006 (Barcelona), donde dice qué es lo que aporta la improvisación a la interpretación, así como que por sí misma es insuficiente, pero, no se puede prescindir ella si deseamos que la interpretación no sea vacía:
“La improvisación aporta control del lenguaje y nos capacita para confeccionar nuestras propias frases, lo que, en caso necesario, nos permite repensar, adaptando a nuestra capacidad y nuestra sensibilidad el texto original, promoviendo una entonación y una adaptación a nuestra propia forma de expresarnos; por supuesto nos permite también tener acceso a modificaciones, añadidos o supresiones que no afectaran al discurso general y a las intenciones expresivas del autor; pero sobre todo, y esto es lo más importante, nos coloca en una situación de privilegio para recrear, como sería el ideal de una interpretación, la partitura del compositor.
La facultad de improvisar coloca al intérprete en la situación ideal para tomar decisiones, incluyendo las de modificar el texto (que algunos intérpretes detestan especialmente) o solucionar emergencias de memoria o de errores ocasionales.
No es suficiente con conocer a fondo un lenguaje ni con hablarlo con fluidez para poder garantizar una interpretación adecuada. Cualquiera de nosotros conoce bastante a fondo la lengua en la que se expresa pero en general no estamos capacitados para “interpretar” un pequeño papel en una sencilla comedia teatral y no podemos interpretar más que a nosotros mismos porque no hemos desarrollado las facultades necesarias. Saber analizar o improvisar no implica ser un buen intérprete si no se poseen las herramientas necesarias en lo que se refiere a la técnica de interpretación. El análisis y la improvisación constituyen el fundamento pero son completamente insuficientes. La condición para interpretar no es sólo la comprensión perfecta del texto; se precisa además una profunda técnica instrumental.
El ejemplo sería la interpretación de un actor. Imaginemos a uno de ellos: conoce el idioma, lo sabe hablar, ha analizado y comprendido su papel en el contexto, pero ¿cuál es su problema? Tiene que convencer al público de que no está actuando sino que está completamente dentro de su personaje. Todos sus conocimientos previos y sus vivencias son útiles pero necesita una formación especial que le permita desarrollar adecuadamente su función. No se trata sólo de saber leer, ni comprender el mensaje, ni de saber hablar; hace falta algo más: técnica de interpretación. Este es el objetivo de la carrera de Arte Dramático que, en su especialidad de interpretación, tiene como objetivo la formación de actores. Su misión es que los alumnos aprendan a utilizar las diferentes técnicas interpretativas para la recreación de personajes. Para este fin, se desarrolla la concentración, la memorización, la improvisación y la dicción.
Claro que ¿qué sería de un actor con muchas dotes y formación en técnicas de interpretación pero desconocedor del lenguaje en el que tiene que interpretar? Sin duda sería un caso muy difícil de encontrar en el mundo de la lengua hablada pero mucho más común de lo que se piensa en el entorno de la música”.
Sin duda, la improvisación supone un aspecto importante a tener en cuenta en el estudio personal para llevar a cabo la interpretación. Mi intención al escribir estas líneas es servir de canal para dar un poco de luz a aquellas personas que deseen avanzar en esta área musical.
María Gertrudis Vicente Marín
Pianista acompañante del Conservatorio Superior de Música de Murcia.
