Jan Cober, es maestro de maestros, en España y a nivel mundial. A continuación conocemos un poco más de cerca sus valoraciones, consejos y opiniones acerca de la Dirección, la Educación Musical y las Bandas de Música.
P.- ¿Qué intenta transmitir Jan Cober cuando sube a la tarima?
R.- El aspecto más importante es que tú tienes que compartir mediante la música, los sentimientos musicales, el conocimiento y entendimiento de las obras en el modo en el que el compositor las ha concebido, y comunicárselo así al público.
El secreto de un director profesional es dar al público, en tu interpretación y la colaboración de tus músicos, todo lo que el compositor quiere. Para esto es muy importante crear un clima en el cual la música pueda existir, eso implica no solamente tocar juntos, qué tipo de articulación… Esos son les aspectos técnicos. El director crea una atmósfera donde la música puede crecer y provocar sentimientos y opiniones en su público.
P.- ¿Cómo contribuye la Música a la Educación?
R.- Es un hecho que la música hace la vida de los niños más rica. La educación musical debería ser posible para todos los niños, no solo para que sean más inteligentes, sino para que aprendan a compartir sentimientos con otros niños. La música no es un aspecto individualista, implica aprender como interactuar con otra gente. Además de eso, la música puede mejorar muchísimo nuestras vidas.
P.- ¿Qué cualidades cree que debe tener un buen Director?
R.- Es muy complicado porque hay diferentes tipos de directores.
Están los directores que son más pedagogos, otros que son más solistas (este tipo pertenece al viejo estilo y forma de dirigir), pero un director necesita diferentes aspectos y cualidades. A veces, especialmente con músicos amateur, la función pedagógica es la más importante, incluso la psicológica. Hay que saber cómo gestionar el proceso de los ensayos y el proyecto educativo. Porque, nosotros trabajamos con personas, no instrumentos.
Los aspectos técnicos de un director son: tener bien desarrollado el oído musical, la técnica de dirección, y eso no implica solo al gesto, es la completa capacidad de desarrollar la idea musical de un compositor dentro de su propia interpretación, y eso no es nada fácil. Este proceso es muy complicado.
P.- Como Director, ¿qué semejanzas y diferencias encuentra entre una orquesta y una banda?
R.- En general, no hay diferencia entre dirigir una banda o una orquesta, únicamente el enfoque puede ser diferente, la dirección orquestal es un poco más indirecta, las cuerdas no necesitan el mismo estimulo que la banda mediante las anacrusas.
El diferente enfoque de dirección está más vinculado a si el ensemble que dirigimos es profesional o amateur, normalmente la gran mayoría de las bandas suelen ser amateur y las orquestas profesionales, esa es la diferencia la cual necesita un diferente enfoque en nuestra dirección. Las agrupaciones amateurs, como he dicho anteriormente, necesitan un mayor factor pedagógico que artístico, y en las agrupaciones profesionales el trabajo debe ser más artístico que pedagógico.
En cuanto a la técnica de dirección no hay diferencia, la diferencia solo está en cómo trabajar. Al dirigir una orquestra debemos tener unos conocimientos técnicos sobre las cuerdas y sentir lo que sienten los músicos de cuerda cuando tocan. Pasa lo mismo con la dirección coral, cuando dirigimos un coro debemos tener un gran conocimiento de las palabras, de las frases, de las respiraciones… y estos aspectos son más importantes que los aspectos verticales para un director de coro. Por lo tanto, la base técnica de la dirección es la misma, pero debemos utilizarla de manera diferente, según en qué caso.
P.- ¿Cuál es la situación actual de las Bandas de Viento en Europa?
R.- Creo, que en las décadas de los 70, 80 y 90 tuvimos el clímax del gran desarrollo de las bandas de música. La situación económica era muy positiva y por lo tanto, todo era mejor. Había más educación musical, más dinero para invertir en educación musical, todas las bandas tenían mejores condiciones y salas tanto de conciertos como de ensayo… En toda Europa la situación era muy positiva porque había dinero para todo, pero en el momento que la situación económica decrece, el primer afectado es el arte. El arte se convirtió en un lujo, esa es de hecho la definición de arte para mucha gente. Pero en mi opinión el arte no es únicamente un lujo, es un aspecto esencial el cual todo el mundo necesita para mirar al mundo en una perspectiva diferente.
En las bandas de toda Europa se vivieron unos años en los que tanto la cualidad como la cantidad incrementaron notablemente, pero este hecho también fue afectado por la negativa situación económica. A parte de la economía, actualmente la juventud está más centrada en los aspectos individuales que en los colectivos, todos disponen de ordenadores, Ipad´s… y se centran únicamente en esa pantalla, y no en interaccionar con otra gente, y eso es un gran problema porque nadie puede alcanzar el mismo resultado que cuando se trabaja con equipo. Esta mentalidad se puede ver ya con los niños, quienes no saben hacer nada sin el ordenador, tienen la información a un alcance demasiado fácil y eso hace que no se esfuercen para conseguirlo, y eso hace que tengan otra mentalidad, es todo demasiado fácil. Y eso lo observamos también en las bandas de música, los aspectos individuales son también los más importantes para los músicos de hoy en día.
P.- ¿Qué diferencias encuentra con las bandas españolas?
R.- Las bandas de música españolas, tienen todas ellas una gran tradición e historia, mucho más longeva que en el resto de Europa. En España, la educación musical y el sistema musical es también una forma de vida, eso es lo que hace que las bandas en España sean más importantes que en el resto de Europa. Existen ciertas excepciones, en algunas zonas de los Países Bajos también observamos esa mentalidad, pero este acontecimiento es algo que también está relacionado con el fanatismo, el desafío de ir a un certamen o concurso. Y a veces, ese fanatismo llega a ser más importante que la música en sí, conseguir medio punto más o medio punto menos en un certamen es algo que no tiene nada que ver con la música. Por lo tanto, las competiciones musicales son buenas para la estimulación, pero también son a su vez un problema porque la música debe ser siempre lo más importante. Esta competitividad es lo que nos difiere de las orquestas. Cuando escuchamos una orquesta no nos dedicamos a evaluar si la Royal Concertgebouw de Amsterdam es mejor que la Berliner Philarmoniker, simplemente entendemos que son diferentes.
Un aspecto muy positivo y bueno que tiene España, es que hay muchos músicos jóvenes que quieren tocar en bandas de música y pertenecer así a agrupaciones más grandes. Este sentimiento es mayor en España que en otros países europeos, y eso es lo que hace que la tradición bandística se siga desarrollando.
Por supuesto, si miras en los aspectos técnicos, en España, las bandas tienen su peculiar sonoridad, tener un sonido propio es bueno, pero normalmente esta sonoridad se basa en la imitación del sonido de la orquesta sinfónica, es peligroso ir demasiado lejos con esto porque la imitación es únicamente un factor, y el objetivo final debe ser siempre la música y el estilo del compositor. Mediante la imitación, se puede llegar a perder el carácter de la obra, pero esa es mi opinión. Me gusta que las bandas tengan su sonido particular, pero hay que mirar tanto al compositor como a su estilo. Esto está cambiando en los últimos años, lo cual es muy positivo. Hace años cuando una banda tocaba “le sacre du printemps” de Stravinski, el estilo no correspondía al de Stravisnky, sino al de la banda, y lo mismo pasaba cuando se tocaban obras originales.
P.- ¿Y en cuanto al repertorio escrito para banda?
R.- Actualmente en España hay muchos compositores, y eso es fantástico, hay muy buenos compositores en España y compositores jóvenes interesados en la composición bandística, y no solo en la Comunidad Valenciana, este fenómeno existe también en Catalunya y Galicia. Este gran número de compositores en España se debe al gran interés de las bandas de toda España en interpretar obras de nueva creación, pero hay que ser precavidos con esto y no olvidar las grandes obras de la tradición bandística. Debemos mantener en nuestras programaciones las grandes obras compuestas en las décadas de los 60, 70, 80 90 e incluso anteriores, ahí reside la calidad de nuestro repertorio. Las orquestas sinfónicas interpretan y repiten en todas sus programaciones anuales las grandes obras de Bruckner, Mahler, Beethoven, Brahms… y parece ser que las bandas siempre quieren interpretar obras de nueva creación, pero no olvidemos que la calidad del repertorio nos brinda también la calidad de la interpretación, en qué modo debemos interpretarlo, eso es también importante.
P.- ¿Qué consejo daría a un joven Director?
R.- Mi consejo para un joven director es: Aprende desde el principio, aprende de bandas juveniles, de bandas de bajo nivel, aprende el repertorio y no te limites al bandístico. Es muy importante el repertorio para ensembles, música de cámara… estudia a los diferentes compositores que no han compuesto nunca para banda, los grandes maestros: Haydn, Mozart, Beethoven, Brahms… Porque es muy importante aprender los diferentes etilos para entender la música de hoy en día. Si no conoces a compositores como Stravisnky y no has escuchado sus obras más emblemáticas como Petrushka o Le sacre du printemps, nunca podrás dirigir a los compositores contemporáneos, porque todos los compositores actuales están influenciados por la tradición y la historia. La música actual es una fuente muy importante, pero para poder entender todas las diferentes ramificaciones debemos empezar estudiando siempre las raíces. Es por esto que tocar transcripciones es interesante para aprender cómo interpretar los diferentes estilos, y eso es lo que los jóvenes directores necesitan, entender los estilos de diferentes compositores.
Y además de eso, uno tiene que aprender cómo gestionar una banda o una orquesta, como comunicarte con los músicos. Los músicos amateurs necesitar un enfoque diferente que los profesionales, y eso es algo que uno aprende en un proceso que dura muchos años, este proceso es:
Un director quiere comprobar y demostrar que puede dirigir. El siguiente paso es mostrar que es capaz de dirigir cosas difíciles, un desafío. Posteriormente es cuando se especializa dependiendo de su carácter personal, si le gusta más la escritura camerística, si por lo contrario le gustan más las grandes sonoridades, las influencias jazzísticas… El siguiente paso es entender que tú estás al servicio de tus músicos, nuestro es hacer al compositor importante, no él mismo, sino el compositor y los músicos. En el momento que entendemos esto es cuando vemos con perspectiva el camino que debemos seguir. Ese momento en el que los músicos son capaces de mirar al compositor y mediante la interpretación le devuelven al compositor lo que es suyo es un momento fantástico. Los directores debemos permanecer entre el compositor y los músicos, nuestro trabajo es guiarlos, no forzarlos. Y eso es lo que hace Director a un director.
P.- ¿En qué proyectos está centrado en estos momentos?
R.- Estoy trabajando en diferentes proyectos. Siempre he necesitado un balance entre la interpretación, la pedagogía y un trabajo artístico, eso siempre ha estado en balance en mi vida. A lo largo de mi vida he sido intérprete, he dirigido, he enseñado… Dirigiendo siempre bandas de diferentes niveles, porque el aspecto social de las bandas es muy importante, especialmente en el ámbito amateur.
Actualmente estoy trabajando como profesor, impartiendo cursos de dirección, y trabajando en diferentes proyectos como director invitado. Pero necesito siempre una tercera vía, la cual aporta al mundo bandístico un nuevo desafío, estimulándolo. Este trabajo no se limita a mis bandas o a las bandas que dirijo como director invitado, se trata de un desarrollo general de las bandas. Esto no se limita únicamente a desarrollar nuevos proyectos para acercar más el mundo bandístico a la gente, es también importante el buscar nuevas vías para mejorarlas, como pueden ser: nuevos formatos de concierto, nuevas agrupaciones, y nuevas ideas en todo lo que tiene relación el mundo de las bandas, y eso es lo que me hace muy feliz, poder hacer una contribución, no únicamente artística, buscar también un nuevo enfoque en el que la gente en general pueda descubrir los diferentes aspectos de las bandas de música. El resultado de esto es que siempre estoy muy ocupado con diversos temas, y me centro en especializarme en un único aspecto, el cual es: Mostrar cuáles son las posibilidades reales de las bandas, como se ha hecho con la orquesta, y quizás, nosotros tenemos muchas más posibilidades que la orquesta sinfónica.
P.- Por último, Sr. Cober ¿le gustaría añadir algo más?
R.- En general, espero que muchos músicos de bandas puedan hacer esta combinación de aspectos artísticos de los cuales he hablado anteriormente, porque especialmente en España, los músicos son Artistas, mucho más que en otros países. Les gusta la música y el estilo de vida que eso conlleva. Y ese balance lo desarrollan muy bien, un aspecto siempre es el soporte de los otros.
Me gustaría añadir, que también nuestra gente joven está viviendo en un mundo en el que música se rige por este balance artístico-educativo. La educación musical los hace más ricos, fuertes, pero también la disfrutan, porque yo estoy seguro que cualquier público y músico, encuentran mediante la música una forma en la que comunicarse, y si una cosa es realmente importante hoy en día, es una forma de comunicación gentil. Y eso es lo que yo creo que podemos conseguir mediante la música
Gracias una vez más por su tiempo, Maestro. Nuestros mejores deseos.
*Agradecimiento especial a Ángel Hernández Azorín y Víctor Gil Calabuig por su colaboración para que se lleve a cabo esta entrevista.
Cecilia Ortuño.
